Escalona De Abreu
✤ Curaduría / curation / commissariat
✽ Arte / artwork / œuvre
✣ Escritos / writing / écriture
Bio
Press
Contact:
mandarinaesc at gmail . com
Escalona De Abreu
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red red réseaux
Le Livart, Montréal, Canada
25.09.2025 - 02.11.2025
Artistas | artistes | artists : Pilar Escobar, Coletiva Tribu, Helena Martin Franco & Sarabeth Triviño.
Curadora | commissaire | curator : María Andreína Escalona De Abreu
Merci à Agatha Lambert et Le Livart pour la coordination et le soutien en plus de l’opportunité de donner une plateforme aux artistes que j’admire autant.
Eventos| événements | events
25.09.2025
18.10.2025
Artistas | artistes | artists
Somos tierra que anda
Con la participación de Flavia Hevia, Kako Navarrete, María Andreína Escalona De Abreu, Marusia Ahumada, Pamela Rodríguez Gaspar, Pilar Escobar A, Veronica Alva.
A partir de “El hombre es tierra que anda” de Atahualpa Yupanki
“Las artistas se ponen las medias cargadas de tierra de jardinería. La artista se vuelve planta. La planta camina. La artista migra. La tierra camina. La tierra migra. La planta se vuelve artista”, le propuso Helena Martín Franco a las participantes. En la intimidad de una galería a puerta cerrada y transformada en habitación y terreno de juego, el personaje de la Mujer elefante se despierta en cada una de ellas. Usando ropa íntima y otros accesorios evocativos de la experiencia tortuosa, cambiante y hermosa que es la feminidad y el despecho, las artistas portan las medias veladas que han llenado de tierra y se dejan habitar por ella. La tierra las entorpece, las deforma, les dificulta el caminar, pero también las abraza, las amortigua, las sana y las transforma en territorio andante. Un paisaje de cuerpos-territorios que se abrazan y cargan las herencias generacionales y migratorias, la performance ahora es fantasma que habita las salas de la galería. ¨Nadie sabe lo que puede una cuerpa¨ nos recuerda Helena.
Avec la participation de Flavia Hevia, Kako Navarrete, María Andreína Escalona De Abreu, Marusia Ahumada, Pamela Rodríguez Gaspar, Pilar Escobar A, Veronica Alva.
D'après « El hombre es tierra que anda » (L'homme est terre qui marche) d'Atahualpa Yupanki
« Les artistes enfilent des bas remplis de terreau. L'artiste devient plante. La plante marche. L'artiste migre. La terre marche. La terre migre. La plante devient artiste », a proposé Helena Martín Franco aux participantes. Dans l'intimité d'une galerie aux portes closes, transformée en chambre et en terrain de jeu, le personnage de la Femme éléphant s'éveille en chacune d'elles. Vêtues de sous-vêtements et d'autres accessoires évoquant l'expérience tortueuse, changeante et belle qu'est la féminité et le chagrin, les artistes portent les collants qu'elles ont remplis de terre et se laissent habiter par elle. La terre les alourdit, les déforme, les empêche de marcher, mais elle les enlace aussi, les amortit, les guérit et les transforme en territoire ambulant. Paysage de corps-territoires qui s'étreignent et portent l'héritage générationnel et migratoire, la performance est désormais un fantôme qui hante les salles de la galerie. « Nul ne sait ce dont un corps est capable », nous rappelle Helena
With the participation of Flavia Hevia, Kako Navarrete, María Andreína Escalona De Abreu, Marusia Ahumada, Pamela Rodríguez Gaspar, Pilar Escobar A, Veronica Alva.
Based on “El hombre es tierra que anda” (Man is walking land) by Atahualpa Yupanki
“The artists put on stockings filled with potting soil. The artist becomes plant. The plant walks. The artist migrates. The soil walks. The soil migrates. The plant becomes artist,” Helena Martín Franco proposed to the participants. In the intimacy of a closed-door gallery transformed into a bedroom and playground, the figure of the Elephant Woman awakens in each of them. Wearing underwear and other accessories evocative of the tortuous, changing, and beautiful experience that is femininity and heartbreak, the artists wear the stockings they have filled with soil and allow themselves to be inhabited by it. The dirt slows them down, deforms them, makes it difficult for them to walk, but it also envelops them, cushions them, heals them, and transforms them into walking ground. A landscape of body-territories that embrace and carry generational and migratory heritages, the performance is now a ghost that inhabits the gallery halls. “No one knows what a body can do,” Helena reminds us
Apañe mestizo
Con la obra tejida de Sarabeth Triviño
Presentada por cuatro de las integrantes de la Colectiva Tribu (Nat, MaruTribu, Pame y Kako), la performance concebida para esta exposición explora la resiliencia, la entreayuda y la fuerza que vibran cuando se está en sororidad; específicamente, estar en sororidad como migrantes, como mujeres latinas en la diáspora. Unidas por trenzas, sus cabellos son extensión de las piezas tejidas que habitan el espacio; sus cuerpos son extensión de la red de sororidad; sus andares son extensión de una trama ancestral y resiliente. La Colectiva Tribu usa el Livart para contar una historia en cuatro actos durante la noche de apertura: primero, refugiada en un espacio tejido, cobijado, uterino; segundo, caminante y cambiante al moverse por los pasillos; tercero, generosa y expansiva al dar ofrendas de tierra al público; y cuarto, buscando la liberación y el enraizamiento, de ellas mismas y todos los pueblos oprimidos y bajo ocupación. Sus presencias seguirán vibrando y habitando el espacio de la galería cuál raíces.
¨Las trenzas se convierten en serpientes y el cruce de la luz y la oscuridad se convierte en un diamante: una estrella.¨ Cecilia Vicuña
Avec l'œuvre tissée de Sarabeth Triviño.
Présentée par quatre membres du collectif Tribu (Nat, MaruTribu, Pame et Kako), la performance conçue pour cette exposition explore la résilience, l'entraide et la force qui vibrent lorsqu'on est en sororité ; plus précisément, être en sororité en tant que migrantes, en tant que femmes latines dans la diaspora. Unies par des tresses, leurs cheveux sont le prolongement des pièces tissées qui habitent l'espace ; leurs corps sont le prolongement du réseau de sororité ; leurs démarches sont le prolongement d'une trame ancestrale et résiliente. La Colectiva Tribu utilise le Livart pour raconter une histoire en quatre actes lors de la soirée d'ouverture : premièrement, réfugiée dans un espace tissé, abrité, utérin ; deuxièmement, marcheuse et changeante lorsqu'elle se déplace dans les couloirs ; troisièmement, généreuse et expansive lorsqu'elle offre de la terre au public ; et quatrièmement, à la recherche de la libération et de l'enracinement, pour elles-mêmes et pour tous les peuples opprimés et sous occupation. Leurs présences continueront à vibrer et à habiter l'espace de la galerie comme des racines.
« Les tresses deviennent des serpents et le croisement de la lumière et de l’obscurité devient un diamant: une étoile » Cecilia Vicuña
With crocheted work by Sarabeth Triviño
Presented by four members of Colectiva Tribu (Nat, MaruTribu, Pame, and Kako), the performance conceived for this exhibition explores the resilience, mutual support, and strength that resonate when one is in sisterhood; specifically, being in sisterhood as migrants, as Latin women in the diaspora. Bound together by braids, their hair is an extension of the woven pieces that inhabit the space; their bodies are an extension of the network of sisterhood; their paths are an extension of an ancestral and resilient tapestry. La Colectiva Tribu uses the Livart to tell a story in four acts during the opening night: first, sheltered in a woven, cocooned, uterine space; second, walking and shapeshifting as they move through the corridors; third, generous and expansive as they give offerings of earth to the audience; and fourth, seeking liberation and rootedness for themselves and all oppressed and occupied peoples. Their presences will continue to vibrate and inhabit the gallery space like roots.
‘Braids become snakes, and the intersection of light and darkness becomes a diamond: a star.’ Cecilia Vicuña
Con la obra tejida de Sarabeth Triviño
Canto de alegría y de resistencia, la composición musical y performance de Pilar rinde homenaje a la araña, a las mujeres y a ella misma. Como criaturas creadoras, ambas, la araña y la artista, viven en constante construcción y reinvención de su hogar, de su territorio y de sí misma. Inspirada por la filosofía de Suely Rolnik acerca de las enseñanzas que nos ofrecen las arañas, Pilar concibe la canción Laraña, una cumbia-punk para la noche de apertura y nos presenta una selección de fotos tomadas en Colombia, su país natal. Y así, en lo visual, lo textil, lo sonoro y lo performativo, su trabajo juega con las tensiones y distensiones de la experiencia migrante y específicamente migrar y vivir como mujer en un sistema patriarcal machista. Pilar cuestiona los regímenes de sonoridad ¨¿quién tiene derecho a hablar, a ser escuchado o a callar sin desaparecer?¨
Avec l'œuvre crocheté de Sarabeth Triviño
Chant de joie et de résistance, la composition musicale et la performance de Pilar rendent hommage à l'araignée, aux femmes et à elle-même. En tant que créatrices, l'araignée et l'artiste vivent toutes deux dans une construction et une réinvention constantes de leur foyer, de leur territoire et d'elles-mêmes. Inspirée par la philosophie de Suely Rolnik sur les enseignements que nous offrent les araignées, Pilar conçoit la chanson Laraña, une cumbia-punk pour la soirée d'ouverture, et nous présente une sélection de photos prises en Colombie, son pays natal. Ainsi, sur le plan visuel, textile, sonore et performatif, son travail joue avec les tensions et les distensions de l'expérience migratoire et plus particulièrement avec le fait de migrer et de vivre en tant que femme dans un système patriarcal machiste. Pilar remet en question les régimes de sonorité : « Qui a le droit de parler, d'être écouté ou de rester silencieux sans disparaître ? »
With crocheted work by Sarabeth Triviño
A song of joy and resistance, Pilar's musical composition and performance pays tribute to the spider, to women, and to herself. As creative creatures, both the spider and the artist live in constant construction and reinvention of their home, their territory, and themselves. Inspired by Suely Rolnik's philosophy about the lessons offered by spiders, Pilar conceives the song Laraña, a cumbia-punk for the opening night, and presents a selection of photos taken in Colombia, her native country. And so, in the visual, the textile, the sound, and the performative, her work plays with the tensions and distensions of the migrant experience and specifically of migrating and living as a woman in a macho patriarchal system. Pilar questions the regimes of sonority: “Who has the right to speak, to be heard, or to remain silent without disappearing?”
Colaboración con María Andreína Escalona De Abreu
Sarabeth Triviño se inspira en el mito mapuche de La Llalin o Araña para concebir la red laberíntica que ocupa las salas del Livart. "La ceremonia de la pichi ñerefe (pequeña tejedora), que consistía en envolverle las manitas con telarañas o pasarle arañitas pequeñas para que la mítica Llalin le transmitiera sus habilidades de tejendera". En su práctica artística, la artista de origen chileno, explora la memoria personal y colectiva que se transmite a través de las historias de comunidades y mujeres, guardianas de un saber ancestral transmitido por las prácticas manuales y resistentes al olvido, como el crochet, el macramé y el bordado. Usando la metáfora de la Gran Tejedora, Sarabeth canaliza su herencia mapuche y su presente migrante para tejer redes, mandalas, capullos y telas de araña que sirven de soporte performativo y colaborativo para la exposición. Usando solamente materiales recuperados y a la mano, la trama gigante que conecta todas las salas hace prueba de un acercamiento eco-feminista, resiliente y decolonial que rinde homenaje a aquellas artistas pioneras y a los movimientos sociales que han resistido a las practicas extractivistas y desmesuradas.
Collaboration avec María Andreína Escalona De Abreu
Sarabeth Triviño s'inspire du mythe mapuche de La Llalin ou Araignée pour concevoir le réseau labyrinthique qui occupe les salles du Livart. « La cérémonie de la pichi ñerefe (petite tisserande), qui consistait à envelopper ses petites mains de toiles d'araignée ou à lui passer de petites araignées afin que la mythique Llalin lui transmette ses talents de tisserande ». Dans sa pratique artistique, l'artiste d'origine chilienne explore la mémoire personnelle et collective transmise à travers les histoires des communautés et des femmes, gardiennes d'un savoir ancestral transmis par des pratiques manuelles et résistantes à l'oubli, telles que le crochet, le macramé et la broderie. À travers la métaphore de la Grande Tisserande, Sarabeth canalise son héritage mapuche et son présent de migrante pour tisser des réseaux, des mandalas, des cocons et des toiles d'araignée qui servent de support performatif et collaboratif à l'exposition. En utilisant uniquement des matériaux récupérés et disponibles, la trame géante qui relie toutes les salles témoigne d'une approche éco-féministe, résiliente et décoloniale qui rend hommage aux artistes pionnières et aux mouvements sociaux qui ont résisté aux pratiques extractivistes et démesurées.
Collaboration with María Andreína Escalona De Abreu
Sarabeth Triviño draws inspiration from the Mapuche myth of La Llalin or Spider to conceive the labyrinthine web that occupies the rooms of the Livart. “The ceremony of the pichi ñerefe (little weaver), which consisted of wrapping her little hands in cobwebs or passing small spiders to her so that the mythical Llalin would pass on her weaving skills.” In her artistic practice, the Chilean-born artist explores personal and collective memory transmitted through the stories of communities and women, guardians of ancestral knowledge passed down through manual practices resistant to oblivion, such as crochet, macramé, and embroidery. Using the metaphor of the Great Weaver, Sarabeth channels her Mapuche heritage and her migrant present to weave nets, mandalas, cocoons, and spider webs that serve as a performative and collaborative support for the exhibition. Using only recovered and readily available materials, the giant weave that connects all the rooms is evidence of an eco-feminist, resilient, and decolonial approach that pays tribute to those pioneering artists and social movements that have resisted extractivist and excessive practices.
Texte d'exposition:
Les fils qui nous relient sont infinis, immatériels et surprenants. Ils transcendent le temps, l'espace, les générations, les espèces et les langues, nous reliant à nos ancêtres et à leur savoir. Ce sont des réseaux tissés par les matriarches. Et ces réseaux sont veineux et labyrinthiques ; vivants comme des systèmes nerveux ; des mycéliums qui communiquent, qui guident, qui nous traversent et nous interpellent. Ils nous ont sauvées, ils nous ont protégées, ils nous ont enracinées. Ils nous alertent de la douleur de nos sœurs et vibrent au son de leurs rires et de leurs joies. Ils sont rouges comme la rage, rouges comme un entrelacement utérin, sécuritaire, protecteur et parfois terrifiant, comme une toile d'araignée, comme une sororité.
Comme un enchevêtrement d'affections, red red réseaux présente le travail de Pilar Escobar, Helena Martin Franco, Sarabeth Triviño et la Colectiva Tribu, et matérialise un réseau de soutien qui existe depuis 2022 entre des femmes artistes de la diaspora latino-américaine établies à Tiohtià:ke/Montréal. Nous prenons le nom d'Assemblée des sorcières. Bien que cette itération ne présente que le travail de certaines d'entre nous, l'exposition est née de l'affection que nous avons pour la communauté que nous avons tissée et que nous continuons à tisser.
Tissu en constante expansion, notre communauté s'ouvre à celles et ceux qui souhaitent explorer, guérir ou incarner les défis, les intersections et les positionnements qui nous interpellent en tant que femmes migrantes sur ce territoire de la nation Kanien'kehá:ka qui n'a jamais été cédé. Nous vous présentons des œuvres performatives et textiles qui ont été conçues pour habiter et grimper dans les salles du Livart, telles des créatures furtives et dissidentes. Chaque œuvre est intimement liée à la suivante, elles sont interdépendantes ; elles ont été créées en collaboration et en symbiose. Et bien que les matériaux utilisés soient souples, dociles et humbles, les œuvres révèlent une grande résilience, une grande véhémence et une grande solidarité avec les luttes décoloniales, féministes intersectionnelles, écoresponsables, de dissidence de genre et de droits des migrants.
Inspirée par des pionnières dans les arts, l'écoféminisme, l'activisme, la pensée critique et l'écriture, cette installation textile, appareil de reproduction et de présentation de performances, est conçue et tissée pour les corps féminins désireux de décoloniser et de subvertir le cube blanc, d'occuper l'espace, de « faire corps ». Nous rendons hommage aux quipus de Cecilia Vicuña, à la philosophie de Sayak Valencia (« les corps peuvent beaucoup, s'ils sont unis ») et de Suely Rolnik (« habiter en réseau »), à la Maman de Louise Bourgeois et à l'écriture de Rita Laura Segato (« nous sommes la terre qui marche »), parmi beaucoup d'autres.
Ce réseau rend hommage et célèbre celles qui nous ont précédées et celles qui ne sont plus là. Il sert de lieu de rencontre et d'entraide pour les femmes trans, autochtones, migrantes, travailleuses, mères, militantes, artistes ; celles qui en font déjà partie et celles qui en feront partie. Ce réseau est un corps, un foyer, notre réseau rouge de réseaux*, bienvenue.
* « Red » étant le mot anglais pour « rouge » et aussi le mot espagnol pour « réseau », le titre de l'exposition se lit en trois langues.
Exhibition text:
The threads that connect us are infinite, immaterial, and surprising. They transcend time, space, generations, species, and languages, connecting us with our ancestors and their knowledge. They are networks woven by matriarchs. And these networks are in themselves venous and labyrinthine; alive like nervous systems; mycelia that communicate, guide, traverse us, and challenge us. They have saved us, sheltered us, rooted us. They alert us of the pain of our sisters and vibrate to the sound of their laughter and joy. They are red like rage, red like a uterine web, safe, cocooning, and sometimes terrifying, like a spider's web, like sorority.
Like a tangle of affections, red red réseaux presents the work of Pilar Escobar, Helena Martin Franco, Sarabeth Triviño, and Colectiva Tribu, materializing a supportive network that has existed since 2022 among women artists from the Latin American diaspora living in Tiohtià:ke/Montréal. We call ourselves the Assembly of Witches. Although this iteration presents the work of only some of us, the exhibition is born out of love for the community we have been weaving and continue to weave.
A constantly expanding web, our community welcomes those who want to explore, heal, or embody the challenges, intersections, and positions that challenge us as migrant women in this territory of the Kanien’kehá:ka nation that was never ceded. We present performance and textile works that were conceived to inhabit and crawl through the rooms of the Livart, like a furtive, dissident creature. Each work is intertwined with the next and they are codependent on one another; they were created in collaboration and symbiosis. And although the materials used are flexible, malleable, and humble, the works reveal great resilience, vehemence, and solidarity with the struggles of decolonization, intersectional feminism, sustainability, gender dissidence, and migrant rights.
Inspired by pioneers in art, eco-feminism, activism, critical thinking, and writing, this textile installation and performance reproduction and presentation contraption is designed and woven for femme bodies eager to decolonize and subvert the white cube, to occupy space, to “make body.” We honor Cecilia Vicuña's quipus, the philosophy of Sayak Valencia (“bodies together can do a lot”) and Suely Rolnik (“inhabiting in network”), Louise Bourgeois' Maman, and Rita Laura Segato's writing (“we are walking land”), among many others.
This network thanks and celebrates those who came before us and those who are no longer with us. It serves as a space for trans, indigenous, migrant, working, and activist women, mothers, and artists to meet and support each other—those who are already part of it and those who will join in the future. This network is a body, a home, our red network of networks*—welcome.
* Since red is the Spanish word for network and réseaux is the French word for networks, the title of the exhibition can be read in three languages.
Texto de exposición:
Los hilos que nos conectan son infinitos, inmateriales y sorprendentes. Trascienden tiempo, espacio, generaciones, especies e idiomas conectándonos con nuestros antepasados y sus saberes. Son redes tejidas por las matriarcas. Y estas redes a su vez son venosas y laberínticas; vivas como sistemas nerviosos; micelios que comunican, que guían, que nos atraviesan e interpelan. Nos han salvado, nos han arropado, nos han enraizado. Nos alertan del dolor de nuestras hermanas y vibran al son de sus risas y alegrías. Son rojas como la rabia, rojas como un entramado uterino, seguro, arropador y a veces aterrador, cual tela de araña, cual sororidad.
Como maraña de afectos, red red réseaux presenta el trabajo de Pilar Escobar, Helena Martin Franco, Sarabeth Triviño y la Colectiva Tribu y materializa una red de apoyo que existe desde el 2022 entre mujeres artistas de la diáspora latinoamericana viviendo en Tiohtià:ke/Montréal. Nos hacemos llamar la Asamblea de Brujas. Aunque esta iteración presente el trabajo de solo algunas de nosotras, la exposición nace del cariño por la comunidad que hemos tejiendo y seguimos tejiendo.
Un tejido en constante expansión, nuestra comunidad se abre a aquellas y aquellos que quieran explorar, sanar o encarnar los desafíos, intersecciones y posicionamientos que nos interpelan como mujeres migrantes en este territorio de la nación Kanien’kehá:ka que nunca fue cedido. Les presentamos obras performáticas y textiles que fueron concebidas para habitar y trepar las salas del Livart, cual criatura sigilosa, disidente. Cada obra está entrelazada a la siguiente y son codependientes una de la otra; fueron creadas en colaboración y simbiosis. Y aunque los materiales utilizados sean flexibles, dóciles y humildes, las obras revelan gran resiliencia, vehemencia y solidaridad con las luchas decoloniales, feministas interseccionales, ecoresponsables, de disidencias de género y de derechos de migrantes.
Inspirada por pioneras en el arte, el eco-feminismo, el activismo, el pensamiento crítico y la escritura, esta instalación textil y aparato reproductor y presentador de performances está pensada y tejida para los cuerpos femeninos deseosos de descolonizar y subvertir el cubo blanco, de ocupar espacio, de “hacer cuerpa”. Le rendimos honor a los quipus de Cecilia Vicuña, la filosofía de Sayak Valencia (“los cuerpos pueden mucho, si están unidos”) y de Suely Rolnik (“habitar en red”), la Maman de Louise Bourgeois y la escritura de Rita Laura Segato (“somos tierra que anda”), entre muchas otras.
Esta red agradece y celebra a las que vinieron antes de nosotras y a las que ya no están. Se presta como espacio de encuentro y entreayuda para las compañeras trans, indígenas, migrantes, trabajadoras, madres, activistas, artistas; las que ya forman parte y las que formarán. Esta red es cuerpo, es hogar, es nuestra red roja de redes*, bienvenidas.
* Siendo red la palabra en inglés para rojo y réseaux la palabra en francés para redes, el título de la exposición se lee en tres idiomas.